Gallery-DIVINA SABATE . Arte Contemporáneo.

ALIANZAS Y REALIDADES Intercambio Generacional

2011-06-13T19:49:00.003+02:00

Divina Sabaté Artista y Comisaria।
Exposición en el Palacio Montcada de Fraga। Exposición que ofrece sugerentes dialogos entre muy distintos legados।El dialogo entre las obras de los artistas consagrados del siglo XX y XXI con los maestros historicos es poco común en los museos españoles (...) El resultado es un espectáculo difícil de superar। Responde en cada una de las obras al dialogo constante que coexiste entre la tradición y la modernidad en toda la historia de la creacion CASA MUSEO SALVADOR SABATE-COLECCIÓN DE ARTE CONTEMPORÁNEO

VISITA DEL MUSEO SORIGUÉ PROYECTO DE COLABORACIÓN.

2010-03-19T08:33:00.028+01:00

CONCEJALES DE CULTURA Y EDUCACIÓN
CON LA ARTISTA DIVINA SABATE
VISITAN EL MUSEO SORIGUÉ।
Una delegación del Ayuntamiento de Fraga formada por la concejal delegada de Cultura del Rosana Aguilar y su compañero de equipo de gobierno y concejal delegado de Educación Jaime Cabós con la artista Divina Sabaté ha visitado hoy el museo de la Fundación Sorigué en Lleida con el objetivo de conocer de primera mano los proyectos que dicha entidad desarrolla y establecer al tiempo lazos para futuras colaboraciones।

La Fundación Sorigué, vinculada al grupo constructor leridano del mismo nombre, dispone en Lleida de un espacio expositivo en el que exhibe parte de su colección de arte formada por piezas de artistas como el norteamericano Bill Viola, uno de los pioneros mundiales del videoarte; el español Antonio López; el sudafricano William Kentridge o los también españoles Cristina Iglesias y Juan Muñoz। Entre los proyectos inmediatos de la Fundación figura la construcción de un centro de arte de gran envergadura en terrenos cedidos por el Ayuntamiento de Lleida y para ello ha convocado un concurso de ideas en el que participan los arquitectos Eduardo Arroyo y Richard Gluckman y el estudio holandés Claus en Kaan। Durante la visita, la directora de la Fundación Sorigué Ana Vallés ha mostrado la colección de la entidad a los ediles fragatinos y les ha informado también sobre las actividades de promoción de las artes entre que la Fundación realiza, entre las que se cuentan visitas de centros escolares al museo de que la entidad dispone en Lleida। Tanto Rosana Aguilar como Jaime Cabós, que han visitado el centro acompañados de la artista fragatina Divina Sabaté, se han interesado por estas actividades y la posibilidad de establecer acuerdos de colaboración con la Fundación Sorigué tanto para eventuales visitas de escolares y asociaciones fragatinas al museo como para organizar en la capital del Bajo Cinca muestras de artistas vinculados a la Fundación Sorigué.

ESTUDIO DIVINA PROJECTS Dream Factory - Fábrica de sueños: Exposiciones, óleos, acrílicos, dibujos, esculturas.contacto: Estudio Divina projects: dsabate@telefonica.netCasa Museo Salvador Sabaté
C/ Pirineos nº 17 22520 FRAGA (HUESCA
Teléfono: 974471718 Móvil: 686723691
http://www.museosabate.com http://www.divinasabate.com

TALLER DE ARTE Y PENSAMIENTO CREATIVO

2010-03-09T18:25:00.014+01:00

TALLER DE ARTE Y PENSAMIENTO CREATIVO
Taller dirigido por la artista Divina Sabaté.
LA Artista Aragonesa y fragatina Divina Sabaté que con sus exposiciones representa al patrimonio artístico de Aragón llevando el nombre de Fraga por todo el mundo sus obras están en Museos, Galerías, colecciones privadas en Londres, New York, París, Barcelona, Bilbao, Madrid, Italia, Irlanda y China. Etc…
Desde el año 1987 se puso al frente del taller de arte continuando la labor de su padre, abriendo su propio estudio-taller en Fraga, donde compagina la investigación creadora, la obra de encargo junto con actividades artísticas de asesoramiento y comisariado.
Las técnicas que utilizo son diferentes dependiendo de la obra que quiero representar en ocasiones recurro a la pintura al óleo, acrílicos, técnicas mixtas, cerámicas, bronces. Me gusta ampliar la oferta y no limitarme porque como artista necesito experimentar y transmitir con diferentes materiales para crear.

Dentro del arte contemporáneo mi obra se engloba en la disciplina artística del Subjetivo estético expresivita. Las temáticas que suelo tratar se desarrollan en la psicología de la humanidad y en la creación del universo.
Me interesa mostrar a las personas, a la sociedad y la naturaleza que lucha por su vida y su espacio vital con los códigos y las iconografías que reflejan el tiempo y la vida.
Las temáticas, que más utilizo son el paso del tiempo es una de las constantes en toda la obra así como las referencias a la historia de la humanidad, la vida , las guerras, el amor, la amistad, El universo.
En el lenguaje plástico las texturas, nos revelan las emociones y las experiencias de nuestra existencia.

El 29 de abril con La exposición” Cinco de diez” se complementara con un taller de arte y pensamiento creativo en la Sala de Arte Cegonyer, Fraga.
Motivando la creatividad : abierto a toda la gente que quiera participar; Las artes se expresan por medio de imágenes, de iconos y de significados visuales.
¿Pero qué es el pensamiento y la creatividad?
Una persona es creativa cuando tiene una mayor fluidez de ideas, cuando puede aportar muchas soluciones en poco tiempo. La originalidad, La sensibilidad, la espontaneidad creativa.
El arte es fiel reflejo del desarrollo de las corrientes del pensamiento y del espíritu de una época; se nutre de los avances de las ciencias, la tecnología etc… el arte justifica su existencia gracias a una inteligencia creativa proyectándose hacia el futuro.
El arte contemporáneo está lleno de posibilidades y de transformaciones nuevas que intentaremos descubrir. En el Taller de arte y pensamiento creativo con la colaboración de la Casa Museo Sabaté.
Este mes de abril del 2010 se celebra el décimo aniversario de la apertura de la Casa Museo Sabaté.
La Casa Museo por este motivo ofrecerá obras de la colección de arte que no ha salido nunca de las paredes del Museo y que pretendemos dar a conocer realizando exposiciones en diferentes lugares.
La función didáctica para acercar el arte a los jóvenes y a la ciudadanía, son actividades que ya realiza desde hace varios años en Fraga donde es visitado por muchos ciudadanos que se acercan.
Ahora con este nuevo proyecto , es otro de los retos que se plantea la Asociación de Amigos de la Casa Museo Sabaté a través del museo.

Hora:
Jueves de 18:00 a 20:30
Lugar:
Sala de Arte Cegonyer, Fraga.
Fecha:
El 29 de abril de 2010
Organiza:
La Artista Divina Sabaté y La Casa Museo S. Sabaté.
Colabora:
Ayuntamiento de Fraga – Delegación de Cultura /Comarca Bajo Cinca /Baix Cinca
Diputación Provincial de Huesca – Departamento de Educación, Cultura y Deporte -Asociación de Amigos de la Casa Museo Sabaté

C/ Pirineos nº 17 22520 FRAGA (HUESCA

Teléfono: 974471718 Móvil: 686723691

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Divina Sabaté y su obra "Notre passé" Salon de las Bellas Artes de Paris.El Louvre 2009

2009-12-16T10:37:00.021+01:00

Exposición Internacional del Louvre en París con la presencia de la Artista Aragonesa Divina Sabaté।

Presidente de la sociedad nacional de Bellas artes de París François Bellec de la Academia de Marina con Divina Sabaté .

Guy Perron, Secretario general de snba en la presentación de la obra de la artista Divina Sabaté।

El Salón con más prestigio de París es el de las Bellas Artes situado en el Louvre en el que cada año en diciembre se dan cita importantes artistas profesionales de todo el mundo en carácter independiente, en la exposición se presentan obras entre escultura y pintura, seleccionadas previamente por la Sociedad Nacional de Bellas Artes de París los artistas exponen sus obras a coleccionistas, comisarios, instituciones y amantes del arte, junto con delegaciones de diferentes países.
El Salón cuenta con el excepcional honor del alto patronato de Monsieur Nicolas Sarkozy presidente de la Republica .।

La exposición organizada por El comisario general del Salón Pierre-Henry y la dirección técnica de Guy Perron, Secretario general। Con la dirección general del presidente de la sociedad nacional de Bellas artes de París François Bellec de la Academia de Marina।

Vanessa Valles con Divina Sabaté en el Salón de Bellas Artes en el Louvre París।

Pierre-Henry comisario general del Salón hablando con los visitantes al Salón।

Debajo de la pirámide Divina Sabaté y Rogelio Castañ en la exposición del Louvre en el Salón de las Bellas Artes 2009

La Presidenta de la Comisión de Cultura, Educación y Deporte de la Diputación de Huesca, Elisa Sanjuán en París con la artista Divina Sabaté y algunos amigos noviembre 2007.

De Aragón a las paredes del Louvre

2009-08-24T18:14:00.006+02:00

Arte Intemporal Divina Sabaté Nuestros Antepasados
Próxima Exposición, Museo du Louvre de París Diciembre de २००९

De Aragón a las paredes del Louvre
La artista Divina Sabaté ha sido seleccionada para exponer en el Salón Internacional de Bellas Artes Por la Société Nationale des Beaux Arts (SNBA) de Francia para formar parte como artista que participará en una exposición colectiva con autores llegados de todo el mundo, en París. Se celebrará en el Louvre, de Paris en el - Museo du Louvre (Paris-Francia) del 10 AL 13 de Diciembre de 2009

OBRA RECIENTE- 2009 Arte Intemporal Divina Sabaté
Exposición Permanente en Casa Museo Sabaté
En su obra se refleja la historia de la humanidad, los seres humanos en la eternidad, las utopías que buscamos durante la vida.
En su pintura se representan paisajes físicos y mentales que recuerdan a nuestra memoria, que esta llena de emociones. Esta unión de la emoción y los sentidos es extraordinaria en el trabajo de Divina y a la vez hace que sus pinturas hablan con una voz real, un vocabulario visual que nadie ha utilizado anteriormente.
El contenido subjetivo y neo-expresionista son temas de conexión personal, el amor, ला supervivencia, la eternidad, la Intemporalidad, el miedo, el paso del tiempo, siempre presente en el mundo que el artista descubre con su exploración personal।

TIERRAS- A 100 – DIVINA SABATÉ

2009-07-29T09:30:00.005+02:00

Me interesa mostrar los personajes y la naturaleza que luchan por crear en la superficie de su vida el espacio vital, donde se establece un caótico dinamismo dentro de la los movimientos diarios.

Con los códigos y las iconografías que hacen una mención a la ciudad, y al campo encontrando todo tipo de referencias que reflejan la marca de nuestro tiempo।

Las obras de Divina se basan en el concepto de la supervivencia de la humanidad, con la adaptación y la reclamación de la naturaleza en lo local y las grandes ciudades del mundo con la globalización en el mundo que vivimos en el siglo XXI, es la postura que se quiere tomar en la que hay muy poco margen para reducir su existencia de los espacios , de la palabra y de los territorios.

Utiliza los códigos que hacen una mención a la ciudad, y al campo en la búsqueda de todo tipo de referencias incluso de los viejos muros, las montañas, los árboles que refleja la marca de nuestro tiempo del conocimiento y del saber।

En el lenguaje plástico tiene diferentes texturas, que crean una imagen con la superposición de capas de colores que revela las emociones y las experiencias de nuestra existencia.
El arte es como un proceso abierto de diálogo, la preocupación por la erosión , la utilización de las tecnologías, el consumo de la energía , la globalización con la falta de comunicación y nuestro individualismo।

"La Pintora Divina Sabaté sus obras están en Museos, Galerías, colecciones privadas en Londres, New York, París, Barcelona, Bilbao, Madrid, Italia, Irlanda y China "

Divina Sabaté Corbella nació en Fraga en 1960 es hija del Artista catalán Salvador Sabaté. Su comienzo en el mundo del arte fue desde su infancia conviviendo siempre con artistas, visitando y compartiendo conocimientos con su padre en los talleres de sus amigos los artistas. Realiza estudios de Artes Plásticas, Psicología, e Historia.
Como Directora de la Casa Museo S। Sabaté gestiona las actividades del Museo, colaborando con Centros educativos Asociaciones e Instituciones.

Desde el año 1987 se puso al frente del taller de arte continuando la labor de su padre, abre su propio estudio-taller en Fraga, donde compagina la investigación creadora, la obra de encargo junto con actividades artísticas de asesoramiento y comisariado.
Directora de la Casa Museo Sabaté y Asesora artística del Muy Ilustre Ayuntamiento de Fraga gestiona y comisaria las exposiciones। En diferentes lugares entre ellos los espacios expositivos del Palacio Montcada.

Artista y Asesora de arte para artistas, galerías e Instituciones.

Realiza exposiciones mostrando sus obras en proyectos de las Universidades y Galerías de China. Expone en Galerías de Londres, New York, País, Portugal, China, Italia, Dublín, Madrid, Barcelona.

Arte Intemporal de Divina Sabaté

2009-07-26T10:41:00.004+02:00

His work reflects the history of humanity with people in eternity, the utopia that we seek for human life.

Arte Intemporal de Divina Sabaté
Atelier
C/Pirineos Nº17 Fraga 22520 (Huesca) Aragón ESPAÑA dsabate@telefonica.net

GUERRERO IBERO EN LA HISTORIA

2009-07-11T10:41:00.003+02:00

EL CINCA, LOS ÁRABES Y LA HUERTA

GUERRERO IBERO EN LA HISTORIA
22520 FRAGA (HUESCA) SPAINTelef/Fax: 974471718Mףvil: 686723691dsabate@telefonica.net http://www.museosabate.com/http://www.divinasabate.com/

Exposición 'LORENZO QUINN SCULPTURES'

2009-06-02T16:42:00.007+02:00

28/05/2009 - FRAGA ADQUIERE UNA ESCULTURA DE LORENZO QUINN
“Gravedad”
“Es esencial encontrar un equilibrio en la vida. Muchas veces este equilibrio es gracias a la gente que nos rodea y que nos mantiene firmes en la tierra. Sin ellos flotaríamos en la perdición. ”
El escultor Lorenzo Quinn expondrá el próximo mes de octubre en Fraga। Por ello, tendrá lugar en el ayuntamiento de Fraga la firma del contrato que regulará esa exposición। El escultor visitará también las salas Miguel Viladrich del Palacio Moncada, que acogerá su exposición "Lorenzo Quinn Sculptures", con treinta obras। También visitará los Jardines Juan Carlos I para concretar dónde se instalará su escultura GRAVEDAD, obra que ha adquirido el ayuntamiento de Fraga। La escultura, realizada en material de aluminio, mide 153x120x 38 centímetros. Lorenzo Quinn, hijo del actor Anthony Quinn, nació en Roma y se crió a caballo entre los Estados Unidos e Italia, fue en Italia, donde aprendió a apreciar el arte।
El Alcalde de Fraga, José Luis Moret, y el escultor Lorenzo Quinn firmaron ayer en el ayuntamiento de esta ciudad el contrato por el que el ayuntamiento adquiere una obra del escultor। Se trata de la escultura titulada “Gravedad”, que representa las figuras de un hombre y una mujer sosteniéndose en equilibrio, simbolizando el equilibrio de la raza humana con la vida. Se trata de una estructura geométrica, hecha en aluminio, de algo más de metro y medio de altura, que se instalará en los Jardines Juan Carlos I. La escultura se instalará, probablemente, el próximo mes de octubre, coincidiendo con la inauguración de la exposición “Lorenzo Quinn Sculptures”, que reunirá unas 25 obras del artista en el Palau Montcada de la capital fragatina. El ayuntamiento y el escultor estudiarán el mejor sistema para proteger la escultura “Gravedad” de posibles daños caudados por actos de vandalismo. Tras la firma del contrato, el escultor visitó en compañía del alcalde, de la concejal delegada de cultura, Rosana Aguilar, y de la asesora artística del Ayuntamiento, Divina Sabaté, las salas de exposición del Montcada y los Jardines Juan Carlos I. Lorenzo Quinn mostró su satisfacción por el hecho de que el Ayuntamiento de Fraga “instale esa escultura en la calle, en un espacio público al alcance de todos los vecinos, porque de alguna manera, el objetivo de todo artista es compartir sus obras con los demás”. El alcalde de Fraga, José Luis Moret, agradeció la presencia del escultor en Fraga y destacó que “la adquisición de la escultura es el fruto del esfuerzo y del interés que han mostrado la concejal de Cultura, Rosana Aguilar, y la asesora artística de la delegación, Divina Sabaté, para llegar a este acuerdo con Lorenzo Quinn y su representante Ramiro Rafart, de la Galería Rafarat Gallery”.

La vena artística de Lorenzo le viene de su padre, el mundialmente famoso actor Anthony Quinn
Lorenzo es un escultor de raza, independiente, auténtico y en compromiso con su yo.
Esto es lo que nos transmite cuando miramos sus obras que reflejan a hombres y mujeres los sentimientos, y pensamientos. Lorenzo es una persona con un gran talento y una fuerza interior que junto con su espíritu de superación hace que, su obra, llegue a la gente y le contagie de su significado y le transmite una calma intranquila que nos incita a ser mejores y conseguir estar en paz y en equilibrio.
Las esculturas tienen que comunicar y que la gente entienda la obra por eso el mensaje es global y universal, las manos son una parte muy importante de la obra. Habla del amor, de las relaciones humanas, del paso del tiempo. Los equilibrios, el equilibrio de la vida.
Su obra es Escultura figurativa en pequeño y gran formato en bronce aluminio y acero.
Pertenece al realismo simbólico destacan sus proporciones y su sensibilidad, junto a unos textos que son el alma de las esculturas. Con valores como la amistad, la familia, ideales utópicos.
La inspiración de sus obras procede de la vida diaria, de algo que lee, de las conversaciones con la gente, de las diferentes etapas de la vida familiar. Esencialmente, de cualquier cosa capaz de emocionarle. El tiempo, que tarda en crear una escultura: tanto como la propia vida.
Cada escultura es parte de sí mismo y de su forma de pensar, está basada en sus experiencias.
Su escultura son sus sueños como cuyo gran objetivo es establecer un diálogo de tú a tú con el espectador, en la búsqueda de un lenguaje universal que sirva, además, para hacernos reaccionar ante la barbarie y desastres a los que asistimos hoy en día।

Lorenzo Quinn realizará este año una amplia gira de exposiciones como , Arabia Saudita, Nueva York, Delhi, Miconos, Ginebra o Puerto Rico, como escenario de sus obras.
Ha expuesto en los cinco continentes y su obra está presente en las principales ferias internacionales de arte de todo el mundo. Actualmente tiene proyectadas prestigiosas exposiciones en varios países.
Tiene obras públicas en Londres, Birmingham y Sant Climent de Llobregat (Barcelona). En monumentos tiene en el complejo deportivo que acogió los juegos olímpicos asiáticos del 2006 en Doha, Qatar entre muchos más.
Comisaria; Divina Sabaté

Tertulia de Arte Un Paseo por el Arte Postmoderno

2009-05-23T19:21:00.004+02:00

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El sábado 12 de Abril, 2008 de 19 a 20,30 horas. En la Sala del Cegonyer
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1º Tiempo
PRESENTACIÓN
'Obras grandes, grandes obras'
JOAQUIM FALCÓ
Por la Comisaria de la exposición Divina Sabaté
Actividades paralelas a la exposición del Palacio Montcada
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2º Tiempo
- UN PASEO POR EL ARTE POSTMODERNO
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3º Tiempo
TERTULIA Con el ARTISTA INVITADO: JOAQUIM FALCÓ
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4º Tiempo
VISITA A LAS EXPOSICIÓN EN EL PALACIO MONTCADA
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5º Tiempo RECOMENDACIONES:
Por los TertulianosPreguntas y comentarios.....................................................

El sábado 12 de abril nos reuniremos para participar en la Tertulia de Arte.

El titulo escogido es “Un paseo por el arte postmoderno”
Con motivo de la exposición de Joaquím Falcó en el Palacio Montcada realizaremos la tertulia como actividad paralela, queremos que los participantes en la tertulia nos acerquemos al arte más actual y que podamos profundizar o simplemente transportarnos por un recorrido del arte postmoderno para descubrirlo juntos.
En el arte postmoderno, se encuentra entre otros el Neoexpresionismo (Nuevos Salvajes). Entre la idea de progreso, evolución e innovación de las vanguardias artísticas, en el arte postmoderno se defiende la cultura popular, la mezcla; se caracteriza por la selección, la mixtificación, el nomadismo, ir de un estilo a otro, la deconstrucción tomando elementos estilísticos del pasado.
Así como la vanguardia se basaba en la innovación, la experimentación, la evolución, los postmodernos vuelven a los métodos clásicos, a la pervivencia de formas y estilos artísticos del pasado, creando una mezcla de estilos. Se incide en la tradición como vuelta a modelos clásicos de programa artístico. El artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores.

Uno de los movimientos artísticos es la transvanguardia italiana es un movimiento de arte contemporáneo teorizado por uno de los iconos de la crítica internacional: Achille Bonito Oliva. En cooperación con otros artistas italianos, Bonito Oliva denominó como transvanguardia italiana el arte que comienza a surgir en los años 70 y que, frente a movimientos sociales y crisis internacionales, defienden un estilo único, globalizante para sus obras en las que reivindican lo local, el territorio y la tradición.
Desde la dirección de los Amigos de la Casa Museo Salvador Sabaté y como comisaria de las exposiciones os esperamos para que deis vuestra opinión sobre el arte y la cultura.

Divina Sabaté

Hora:
de 19:00 h. a 20:30 h.
Lugar:
Sala de Arte Cegonyer
Fecha:
sábado 12 de Abril
Organiza:
Ayuntamiento de Fraga – Delegación de Cultura y Asociación de Amigos de la Casa Museo Salvador Sabaté
Colabora:
Diputación Provincial de Huesca – Departamento de Educación, Cultura y Deporte.

La crisis de las vanguardias y el debateModernidad - Postmodernidad
Dr. Adolfo Vásquez RoccaDoctor en Filosofía, U Complutense de Madrid, ESPAÑA

En el presente ensayo se debate las propuestas filosóficas que parten de la constatación de un presente caracterizado por una "estetización generalizada" y de la afirmación del carácter ficcional de la realidad.
Examinaré la reconfiguración del arte como paradigma de la postmodernidad, como su clave hermenéutica, con la consiguiente revitalización que para la filosofía significa el salir del estrecho ámbito en que permanecía recluida por el paradigma cientificista aceptado y canonizado por la tradición moderna.
Mostraré cómo la expansión de las categorías estéticas proporciona el único paradigma posible en las nuevas condiciones de nuestro trato con la realidad. Mi opinión es que nuestra concepción -postmoderna- de la realidad, nuestra "filosofía primera", se ha vuelto, en un sentido elemental, estética.
Metodológicamente, al ocuparme del problema de la crisis de la modernidad y de la naturaleza del así llamado momento postmoderno, estaré dando cuenta de cómo el devenir de los movimientos artísticos jamás ha sido indiferente o ajeno a la marcha y desarrollo de las ideas o de lo que llamamos pensamiento filosófico y viceversa.
Pretendo, finalmente, realizar un enfoque holístico que se encuentre también abierto a las consideraciones societales y políticas que asume la obra de arte, y a fenómenos como la producción industrial de la conciencia, de lo que hoy -a partir de la revolución informática- puede definirse como la construcción discursiva y mediática de la realidad.
El carácter ficcional de la realidad.
En el presente ensayo debatiré las propuestas filosóficas que parten de la constatación de un presente caracterizado por una "estetización generalizada" y de la afirmación del carácter ficcional de la realidad.
El uso de la expresión "estetización generalizada" está relacionada con la interpretación que sostiene que en la "postmodernidad" el concepto de objeto o proceso [artístico] acentúa su propia presencia, ya sea bajo diferentes modos de inserción en la vida cotidiana o mediante la reelaboración de los conceptos de fenómeno artístico y experiencia estética; lo cual antes caía fuera de los cánones de la institucionalidad artística y de la consideración estética tradicional. Hoy los fenómenos artísticos marcan una presencia ineludible y, lo que es fundamental, se convierten en los nuevos objetos de nuestra reflexión. A partir de este paradigma surge la necesidad de reformular, desde la estética filosófica o meta-estética, tanto el lenguaje como la índole de toda investigación filosófica.
En este sentido, "estetización generalizada" se convierte en el marco y en el punto de arranque de análisis estéticos que,pretendiendo dar cuenta de nuestro presente y no simplemente acomodar las producciones y las experiencias actuales
esquemas conceptuales previos de una estética mejor o peor interpretada, deben dejar de lado, para poder cumplir su objetivo, categorías y formulaciones ya caducas en lo teórico pero que siguen existiendo en los discursos e incluso prevaleciendo en el gusto estético común. Es así como la estética ya no aparece como una disciplina emplazada de modo periférico en la cartografía de la organización del saber y en la enseñanza de las humanidades.
Imprecisas, además de injustas son, pues, las imputaciones del supuesto carácter de mera "moda" que la estética puede haber asumido y es injusto también afirmar que sólo este carácter coyuntural -oportunista- la hace estar presente en la primera línea en los debates filosóficos. La estética entiende a la filosofía como creatividad y, en consecuencia, el pensamiento contemporáneo expresa sus inquietudes considerando el arte (objetual o conceptual) como origen y germen de sus reflexiones. Es, por esto, que esta investigación pretende superar las meras preocupaciones cosméticas para situarse en la génesis de problemas contemporáneos que reclaman para sí la atención de los investigadores.
Mostraré cómo los problemas estéticos no son asuntos periféricos de la vida colectiva, sino que se han convertido en un proceso social que gobierna la producción y consumo de objetos, la publicidad y la cultura. Así, pues, los medios de comunicación y la "cultura" de los medios de comunicación determinan cambios ideológicos y sociales. Ahora bien, al señalar que la interpretación de la evolución de las ideas que los objetos artísticos nos comunican o sugieren tiene el estatuto de síntomas de determinadas sensibilidades o situaciones histórico-sociológicas propias de la comunidad que las realizó, quiero hacer notar que en esta evolución -de los productos artísticos con sus resonancias filosóficas y espirituales- es posible leer la sensibilidad de un época o, si se quiere, la condición psicológica de la humanidad en una situación dada. Los cambios de sensibilidad, según mostraré, se reflejan en las variaciones de estilo, los que no son (y no pueden ser) arbitrarios o accidentales, sino más bien han de hallarse en conexión regular con los cambios que se verifican en la constitución psico-espiritual de la humanidad, cambios que se reflejan en la historia de los mitos, del inconsciente colectivo, de las religiones, de los sistemas filosóficos, de las instituciones de la sociedad occidental. De este modo, cuando se haya descubierto esa conexión regular, la historia de la sensibilidad artística vendrá a situarse en el mismo estatus de la historia comparada de las religiones, la historia de la filosofía o de las instituciones, dando cuenta de las grandes encrucijadas de la psicología de la humanidad en un período histórico determinado. Así, por ejemplo, un estudio del estilo gótico ha de contribuir a desentrañar la historia del "alma" humana, de su sensibilidad y de las formas en que se manifiesta. Por ello es necesario entender la lógica o discurso subyacente a los objetos o manifestaciones artísticas, sean estos cuadros, diseños de moda, obras arquitectónicas, etc. Baste para ello sólo mencionar las connotaciones ideológicas de la transformación estética de los espacios urbanos. La interpretación y valoración de las ideas que estos objetos (como "residuos de una arqueología futurista", o "restos fósiles de imágenes a la deriva") nos transmiten, son síntomas, documentos y señales histórico-sociológicas de la comunidad que las realizó.
La necesidad de indagar la índole del hablar sobre arte, esto es, de la naturaleza del discurso estético, reside tanto en la riqueza conceptual de los objetos artísticos del siglo XX, como en la variedad de sus modos de constitución o producción, con toda su pluralidad de significados y variantes al ser incluidos en contextos diferentes. De modo que cada objeto se transforma en un "libro" donde se puede leer un mensaje originalmente cifrado. Así, hay que leer en el cuadro lo mismo que en el poema; la experiencia estética más que estática, es dinámica. Esto implica la elaboración de delicadas discriminaciones y el discernimiento de relaciones sutiles, la identificación tanto de sistemas simbólicos y de caracteres dentro de estos sistemas como lo que estos caracteres denotan y ejemplifican; se trata de "interpretar obras y reorganizar el mundo en términos de obras, y las obras en términos del mundo"

La aprehensión (interpretación o lectura) de la obra artística es el epílogo de la aventura emprendida por el artista y significa para el contemplador un descubrimiento y, por consiguiente, una conquista; por eso cautiva y reclama que volvamos a ella. La propia obra se da a conocer, entrega su dirección expresiva, sus niveles de significación, su intención germinal como lenguaje. La contemplación activa es la única que supone la integración absoluta de las dimensiones objetivas y subjetivas, tanto de la obra como del espectador. El arte genuino, aquel que incita a la contemplación, nos lleva a entrar en nosotros mismos. En cambio, el arte llamado de masas o de consumo nos insta a volcarnos a la exterioridad y a devorar, sin razonar, las múltiples imágenes que se nos proponen como válidas. El artista conceptual convierte la superficie de su obra en soporte de un discurso, un campo de sugerencias y de lecturas y relecturas que están acotadas con límites siempre móviles o resonancias difusas y con la potencialidad de hablar a las diversas sensibilidades contemporáneas.
El irse articulando del arte contemporáneo cada vez más como reflexión de su mismo problema (poesía del hacer poesía, arte sobre arte, obra de arte como poética de sí misma) obliga a registrar el hecho de que en muchos de los actuales productos artísticos, el proyecto operativo que en ellos se expresa, la "idea" de un modo de formar que realizan en concreto, resulta siempre más importante que el objeto formado. Queda así opacado el valor estético frente al valor cultural abstracto, con el consiguiente prevalecer de la poética sobre la obra del diseño racional, lo programático sobre la cosa diseñada.
Así, pues, esta investigación se propone hacer una revisión de las distintas poéticas o sensibilidades que cada sistema estético registra como una modificación en el concepto de arte.
La razón poética
Antes de exponer los problemas que abordaré a propósito del análisis del proyecto de las vanguardias artísticas y del carácter del así denominado momento postmoderno, creo necesario acotar la idea de poética que aquí he introducido. Con poética quiero indicar la conciencia crítica que el artista tiene de su ideal estético, del programa que todo artista, en cuanto tal, no sólo sigue, sino que sabe que sigue. Se trata del trasfondo cultural subjetivado por sus gustos y preferencias personales, el arquetipo del poeta convertido en modo de construcción. La poética debe distinguirse claramente de la estética en cuanto que, mientras ésta teoriza, aquélla tiene valor personal en la experiencia y predilección ingénitas. Mientras que la estética busca darle rigor científico al gusto, la poética, por otro lado, pretende concretizar la vivencia de una fantasía, la construcción de un mundo poético.
La idea, ya referida, de que nuestro conocimiento de la realidad no es sencillamente reproductor sino creativo resulta decisiva para este punto. La realidad deviene construcción poética. La razón poética es razón volcada hacia la revelación interpretativa de su objeto. En la razón poética aparece, lo que podemos denominar, una conciencia hermenéutica. Es ésta una razón volcada hacia la capacidad interpretativa de la razón.
Se puede ver que la racionalidad postmoderna se corresponde con una teoría del conocimiento no epistémica, que sólo está basada en, lo que se podría llamar, "valores de verdad relacionales", que sólo refiere a coherencias entre las partes, una verdad estética por tanto. Saber, en este sentido, es saber sobre la correcta estructuración de los elementos entre sí.
La función estética del discurso viene dada, pues, por la noción no ontológica que la racionalidad actual asume, y ello doblemente: por establecer mundos, o sistemas coherentes en sí mismos y, sobre todo, por los presupuestos cognoscitivos que el relativismo metafísico o constructivismo entraña.
La sociedad postmoderna, entendida ésta, en palabras de Debord, como una Sociedad del Espectáculo , o como la llamará Lipovetsky un Imperio de lo Efímero se caracterizaría, entonces, en que lo banal o trivial constituye un núcleo de identidad tal que puede ser establecido como fundamental para comprender los lazos internos de la estructura social. Con lo anterior anuncio que, teniendo como horizonte las relaciones entre estética y política, también entrarán en el ámbito de mi investigación fenómenos como el cine, la moda, el diseño y la arquitectura, entendidos éstos como sistemas productores de signos, adheridos a determinadas "lógicas narrativas", las que de acuerdo a su modo de constitución influyen de modo decisivo en el modo de ser, en el ethos postmoderno, el cual puede ser entendido desde dentro de su proceso de gestación sólo a partir de las claves hermenéuticas que nos proporciona el paradigma estético.
La situación del arte contemporáneo no se puede explicar a partir de una mera significación ideológica, sino más bien como un acontecimiento histórico-ontológico; como una urdimbre de sucesos histórico-culturales y de discursos que nos pertenecen, que los deciden y los codeterminan. Es en este sentido que se puede afirmar que el arte ya no existe como fenómeno específico, sino como algo que a todos nos concierne. En la postmodernidad no podemos separar arte y vida.
La post-vanguardia como academia y museo, como clasicismo de la contemporaneidad.
La crisis de las vanguardias ha sido una de las referencias principales para el debate postmodernista. La primera suposición vanguardista cuestionada por el postmodernismo, es la de una radical ruptura con la tradición sacralizadora de las Bellas Artes, subestimando cándidamente la habilidad con que el sistema de convenciones institucionales habría de reingresar el gesto iconoclasta al inventario calculado (razonado) de las desviaciones permitidas, neutralizando así el ademán irreverente y reeducando el exabrupto. La post-vanguardia ya no es, en este sentido, básicamente ruptura, es, por el contrario, academia y museo; de manera tal que lo que en su momento pudieron ser estrategias conspirativas -maniobras insurrectas- se ha convertido hoy en nuestra "tradición": en la tradición artística de la contemporaneidad. Desde los medios de comunicación de masas y las instituciones de cultura, públicas o privadas, el horizonte estético de la vanguardia se transmite ya como clasicismo de la contemporaneidad

La postmodernidad puede ser así entendida como una crítica de la razón ilustrada generada a manos del cinismo contemporáneo.

Baste pensar en Sloterdijk y su Crítica de la razón cínica , donde se reconoce como uno de los rasgos reveladores de la Posmodernidad la nostalgia por los momentos de gran densidad crítica, aquellos en que los principios lógicos se difuminan, la razón se emancipa y lo apócrifo se hermana con lo oficial, como acontece según Sloterdijk con el nihilismo desde Nietzsche, y aun desde los griegos de la Escuela Cínica.
La ruptura con la razón totalizadora aparece, por un lado como abandono de los grandes relatos -emancipación de la humanidad-, y del fundamentalismo de las legitimaciones definitivas y como crítica de la "totalizadora" ideología sustitutiva que sería la Teoría de Sistemas. La postmodernidad ha impulsado -al amparo de esta crítica- "un nuevo eclecticismo en la arquitectura, un nuevo realismo y subjetivismo en la pintura y la literatura, y un nuevo tradicionalismo en la música"(15). La repercusión de este cambio cultural en la filosofía ha conducido a una manera de pensar que se define a sí misma, según he anticipado, como fragmentaria y pluralista, que se ampara en la destrucción de la unidad del lenguaje operada a través de la filosofía de Nietzsche y Wittgenstein.
Lo específicamente postmoderno son los nuevos contextualismos o eclecticismos. La concepción dominante de la postmodernidad acentúa los procesos de desintegración. Subyace igualmente un rechazo del racionalismo de la modernidad a favor de un juego de signos y fragmentos, de una síntesis de lo dispar, de dobles codificaciones; la sensibilidad característica de la Ilustración se transforma en el cinismo contemporáneo: pluralidad, multiplicidad y contradicción, duplicidad de sentidos y tensión en lugar de franqueza directa, "así y también asa" en lugar del univoco "o lo uno o lo otro", elementos con doble funcionalidad, cruces en lugar de unicidad clara . Así, con la postmodernidad se dice adiós a la idea de un progreso unilineal, surgiendo una nueva consideración de la simultaneidad, se hace evidente también la imposibilidad de sintetizar formas de vida diferentes, correspondientes a diversos patrones de racionalidad. La postmodernidad, como proceso de descubrimiento, supone un giro de la conciencia, la cual debe adoptar otro modo de ver, de sentir, de constituirse, ya no de ser, sino de sentir, de hacer. Descubrir la dimensión de la pluralidad supone descubrir también la propia inmersión en lo múltiple.
El momento postmoderno
El momento postmoderno es un momento antinómico, en el que se expresa una voluntad de desmantelamiento, una obsesión epistemológica con los fragmentos o las fracturas, y el correspondiente compromiso ideológico con las minorías políticas, sexuales o lingüísticas. Es necesario, a este respecto, tener presente que en la expresión "momento postmoderno" la palabra momento ha de tomarse literalmente; y, por decirlo paradójicamente, como categoría fundamental de una conciencia de época, claramente posthistórica.

La complejidad del momento postmoderno no es sólo una cuestión de perspectiva histórica -o más bien de falta de ella-, sino que viene dada por el propio movimiento de repliegue sobre sí mismo característico de la postmodernidad (frente a los desarrollos lineales de la periodización moderna o clásica) lo que la dota de un espacio histórico informe y desestructurado donde han caído los ejes de coordenadas, a partir de los cuales se establecía el sentido y el discurso de la escena histórico-cultural de una época.
La caída de los discursos de legitimación que vertebraban los diferentes meta-relatos de carácter local y dependiente, ha producido -como se ha señalado- una nivelación en las jerarquías de los niveles de significación y la adopción de prácticas inclusivistas e integradoras de discursos adyacentes, paralelos e incluso antagónicos. La postmodernidad es aquel momento en que las dicotomías se difuminan y lo apócrifo se asimila con lo oficial.
Desde un determinado punto de vista, la "revolución de la postmodernidad" aparece como un gigantesco proceso de pérdida de sentido que ha llevado a la destrucción de todas las historias, referencias y finalidades. En el momento postmoderno el futuro ya ha llegado, todo ha llegado ya, todo está ya ahí. No tenemos que esperar ni la realización de una utopía ni un final apocalíptico. La fuerza explosiva ya ha irrumpido en las cosas. Ya no hay nada que esperar. Lo peor, el soñado Final sobre el que se construía toda utopía, el esfuerzo metafísico de la historia, el punto final, está ya entre nosotros. Según esto, la postmodernidad sería una realidad histórica–posthistórica ya cumplida, y la muerte de la modernidad ya habría hecho su aparición.
En este sentido, el artista postmoderno se encuentra en la misma situación de un filósofo: el texto que escribe, la obra que compone, no se rigen en lo fundamental por reglas ya establecidas, no pueden ser juzgadas según un canon valorativo, esto es, según categorías ya conocidas. Antes bien, son tales reglas y categorías lo que el texto o la obra buscan. De modo que artista y escritor trabajan sin reglas, trabajan para establecer las reglas de lo que habrá llegado a ser. La negación progresiva de la representación se vuelve aquí sinónimo de la negación de las reglas establecidas por las anteriores obras de arte, que cada nueva obra ha de llevar a cabo de nuevo.

LOS MUSEOS, UN CAMINO HACIA EL PLACER Y LA IMAGINACIÓN

2009-05-11T13:21:00.009+02:00

El 18 de Mayo Día internacional del Museo :: 2009: Museos y Turismo

Los museos de todos los continentes van a celebrar el turismo ético, responsable y compatible con la preservación del medio ambiente, mostrando cómo el patrimonio cultural y natural puede contribuir al establecimiento de nuevas relaciones, recíprocamente beneficiosas, entre los turistas y las comunidades locales.

La combinación Turismo/Museos es una forma espléndida de poner en práctica la fórmula mágica y única de cambiar la sociedad y encaminarla hacia un mundo mejor mediante la transmisión de conocimientos, es decir, de la cultura.

Una transmisión que, bien programada, no se reduce a conseguir que los turistas sean simples observadores que se entretienen o incluso que van siendo cada día un poco más sabios, sino que de lo que se trata es de conseguir que entren en lo que están viendo, pongan en marcha su experiencia y su memoria para profundizar en ello, y acaben convirtiéndose en creadores de la obra de arte o científica que contemplan.

Porque esta forma de mirar, que forzosamente ha de ir acompañada de conocimiento, hace renacer en el visitante la amalgama de emociones y posibilidades que viven tantas veces dormidas, o al menos inactivas, en lo más profundo de su conciencia: emociones y fantasías que nacen de lo que ha vivido, de lo que le han contado, de lo que recuerda, y de lo que habiendo vivido ya ha olvidado, añadiéndole pasión e imaginación.

Es este proceso el que provoca en el turista que visita un museo, la profunda sensación de plenitud en el placer de una contemplación activa que pone en movimiento todas sus facultades emotivas, intelectuales y mentales. Una plenitud, tan distinta a otras formas de felicidad más convencionales, que crea adicción.
Es por esta razón por lo que vale la pena elaborar programas que conviertan al testigo pasivo de un cuadro, de un manuscrito, de un fenómeno natural o de un aparato científico, en un creador. Y será entonces cuando él mismo sea capaz de elaborar una historia a partir de lo que está viendo, de vincularla con lo que sabe o creía que sabía.

Y esto es posible gracias a los museos que son lo que contienen y conservan nuestro patrimonio histórico, científico, artístico y folclórico, que no sólo son importantes como archivos de nuestra historia sino sobre todo porque tienen el don de que, sea quien sea que se acerque a ellos con curiosidad, pasión y la mirada profunda de un creador, deja de ser una criatura de la rutina y la costumbre y se convierte definitivamente en una criatura de la imaginación. Precisamente lo que hace alta para cambiar la sociedad, mejorarla y caminar hacia un mundo mejor.

ROSA REGÀS

ACTIVIDAD ESPACIO DE ARTE
El lunes 18 de mayo, La Casa Museo Salvador Sabaté organiza visitas guiadas con la tertulia como sobrevive un Museo Privado en una zona rural en la Comunidad Aragonesa, con motivo del Día Internacional de los Museos.
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Casa Museo Salvador Sabaté
http://www.museosabate.com/

Directora:Divina Sabaté Corbella / dsabate@telefonica.net
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Horario e información general

Visitas Guiadas.
Tertulia.
Sobrevivir un Museo Privado en una zona rural en la Comunidad Aragonesa.

Lunes 18 de mayo, de las 18.00 a les 20.00 h·

Entrada principal de la Casa Museo Salvador Sabaté·

Actividad gratuita
Organiza: Casa Museo Salvador Sabaté
Colabora: Amigos Casa Museo Sabaté, Ayuntamiento de Fraga.

'De la guerra. Fatales consecuencias, horrores y desastres. Francisco de Goya' en Fraga

2009-04-27T11:17:00.016+02:00

17/04/2009 - DE LA GUERRA. FATALES CONSECUENCIAS, HORRORES Y DESASTRES

En el Palacio Montcada se reúnen los grabados de Francisco de Goya y de artistas contemporáneos del grabado. Con esta exposición , no solo tienen cabida la serie de grabados de Goya, sino que se ha abierto el recorrido a través de diferentes conflictos bélicos desde varios siglos hasta nuestros días.

Artistas y testigos de excepción que legan el recuerdo de lo que vieron a las futuras generaciones. No narra un determinado momento formal, estético, técnico o espacial.

La exposición tampoco busca totalmente la evidente influencia de Goya en la trayectoria de creadores como Rodríguez Luna, ni en el arte contemporáneo en general, sino una esencia de impactante contemporaneidad contextualizadora: el sufrimiento, el éxodo y la guerra, reflejados a través de la producción gráfica.

Se marca un inicio cronológico a partir de las representaciones gráficas durante 'Los Desastres de la Guerra' de Francisco de Goya y Lucientes, que nos narran los tristes episodios ocurridos en España a partir del año 1808.

La guerra, el hambre, los refugiados.

Tres fenómenos intemporales ¡Malditas plagas! que azotan la humanidad sin remedio ni excepción desde que el hombre es tal. Ya en el origen de nuestra civilización se manifiestan ajenas, o quizá no, a ese razonamiento que hacen del ser humano el ser superior, ese raciocinio inalcanzable al resto de los seres vivos y que, en ocasiones nos lleva a ejecutar actos que horrorizarían a la bestia salvaje más terrible. Da igual el momento histórico, el espacio geográfico, o los avances de la ciencia. La maldad es inalterable a años y milenios, a lugares o razas.El odio, la venganza, el miedo, el hambre o la guerra se plasman siempre con exacto porte, generando idéntica y devastadora sensación a lo largo de los siglos.

José María Morales Camón,
Director General de la Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo

La Guerra como modelo el dolor como expresión .

Hay tres clases de miedo. El espanto es la tensión por la que sabemos que debemos temer algo pero aún no lo hemos identificado. El terror se produce cuando vemos lo que tememos.El horror es la huella después de que haya ocurrido lo que temíamos. Nos movemos en diferencias de grado y de perspectiva, en esta exposición tenemos escenas de un realismo atroz, de un tremendismo que en literatura solo Valle Inclán logró igualar. Nacen de la verdad y adquieren el valor de los símbolos; a veces, el valor del rito como en los gestos de los condenados a ser ahorcados, a ser fusilados.
Con los ojos vendados, amarrado al poste, anónimo, en él todas las guerras; incluso de espaldas a los soldados, sin la dignidad de la muerte del soldado. Desnudan a los muertos para despojarlos de su pobre ajuar y allí quedan, a merced de las alimañas; a veces, algunas almas piadosas le dan tierra y descanso.
Este camino de decepción explica los tres momentos que las estampas representan según la crítica: los desastres como tales, la hambruna y los llamados caprichos enfáticos. Las estampas son una denuncia de la violencia y del fanatismo al mismo tiempo y son una muestra del atormentado periodo vital que le tocó vivir al genial artista. Con dinamismo cinematográfico el espectador queda sobrecogido por instantes tan breves cuanto eternos.

Antonio Garrido,
Académico Correspondiente de la Real Academia Española

Desastres e incertidumbre en tiempos de guerra.

El Palacio Montcada exhibe una de las exposiciones más importantes sobre el maestro aragonés, 'Goya en los Desastres de la Guerra'. Centrada en torno a las estampas, que reflejan la oscuridad del alma humana.

La exposición, que se inscribe dentro de la programación del 23 de Abril con la muestra, abarca la gran repercusión de la Guerra de la Independencia, es un "diario" del artista que vivió entre dos siglos y supo ofrecer un verdadero testimonio del "triunfo de la sinrazón".

Se convierte esta exposición, en una ocasión para contemplar las estampas de Goya como hombre y como artista a una nueva sensibilidad para captar lo esencial y abandonar lo superfluo. Goya es un espejo que capta todo aquello que necesita para poder expresar su idea, nos ofrece sus obras para que sigamos meditando durante muchos años. Es un gran artista intemporal y universal.La desconfianza es el miedo de quien satisface más las necesidades materiales o espirituales sino más bien de quien quiere más de lo necesario e incluso espera tenerlo todo. La clásica lucha de la humanidad la tenemos en las guerras actuales donde la globalización está formulada en función de la codicia o sino más bien de la necesidad.

La guerra basada en el miedo y el terror busca demostrar la falta de los derechos humanos y la libertad individual probando la cobardía y el deterioro de la sensibilidad, el gran negocio de los fuertes que es nuestro miedo, ese sentimiento que nos hace obedientes y manejables.

Desde el Palacio Montcada en esta exposición hemos unido a Goya con otros artistas contemporáneos que han visto cada uno de ellos diferentes guerras y situaciones que las han interiorizado y nos las muestran uniéndose con la interpretación de Goya como el Equipo crónica, Homenaje a Picasso, Antonio Rodríguez Luna, Arturo Reque Meruvia de la Guerra de Chaco, Juan M. Moro Bombas sobre nada.
Los desastres se conciben como un libro de imágenes y con unos títulos muy escuetos pero muy elocuentes que nos hablan de la intención expresiva y critica, Lo que Goya hizo durante la guerra es mostrarnos la brutalidad que estaba presente en todos los escenarios posibles es decir cuando los españoles venden a los franceses, y cuando los franceses vencen a los españoles, cuando violan a las mujeres cuando los niños quedan huérfanos cuando queda el hambre.

En todas las consecuencias va a ser siempre la misma la muerte, que está omnipresente en todas las estampas y eso es algo completamente nuevo porque va a mostrar por primera vez en la historia una visión independiente de un artista ante la guerra.

Divina Sabaté, Comisaria, asesora artística del Ayuntamiento de Fraga

Duracion:
del 17 de abril al 31 de mayo de 2009
Horario: de martes a sábado de 18:00 a 20:30, domingos y festivos de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 20:30, lunes no festivos cerrado
Lugar: Palacio Montcada
Organiza: Ayuntamiento de Fraga – Delegación de Cultura
Colabora: Diputación Provincial de Huesca – Departamento de Educación Cultura y Deporte, FMGEC, Ayuntamiento de Marbella

FIESTA DE LA FALDETA. CASTILLO DE FRAGA EXPOSICIÓN BRONCES DE SERGIO

2009-04-25T09:43:00.014+02:00

3 al 26 de Abril de 2009

CASTILLO DE FRAGA
Clasicismo escultural.

En el Castillo de Fraga se presenta el trabajo escultórico del cantante Sergio Blanco.
El artista, miembro del dúo Sergio y Estíbaliz, muestra su pasión por los caballos y la historia en pequeños bronces.

Dentro de las exposiciones en el mes de abril conmemorando el día de la faldeta en Fraga se ha ideado la exposición "Bronces de Sergio” donde presentamos una muestra de la escultura histórica española, hemos querido hacer un recorrido en una secuencia de la historia de España. Esculturas que nos permiten señalar ámbitos de sensibilidad y vincular las obras en su azaroso encuentro en el espacio de esta exposición.
Se trata de convocar complicidades entre obras y lugar, por lo que se ha preferido romper la rigidez de trabajar dentro del marco cronológico de forma estricta, buscando antecedentes que hicieran guiños desde el tiempo.
Si se observa atentamente la historia de la plástica en Occidente pintura y escultura juntamente se observa que se da una alternancia entre la preferencia por la imagen y la preferencia por el signo y el símbolo. Es un fenómeno histórico que quizá se explique por razones psicológicas: es decir, por una especie de dialéctica a la que está sometida la sensibilidad humana que, al cabo de algún tiempo, muestra cansancio por la figura y requiere el empleo del símbolo abstracto.
Hay que decir que, en el curso de la historia, en ciertas épocas el arte está gobernado por la imagen, y en otras el que domina es el signo abstracto. Pues bien; se puede pensar que así como hay un "tiempo para la imagen" y un "tiempo para el signo" hay también lugares predispuestos para la imagen y pueblos predispuestos para el signo. Las civilizaciones grecolatinas han revelado una preferencia por el icono. Mientras que ciertos pueblos germanos, se muestran más tendentes al empleo del signo y al rechazo de la imaginería.
Analizar la obra de Sergio desde su práctica concreta a la historia real, es encontramos por un lado tratando de estudiar las condiciones concretas históricas y también los impulsos inconscientes con un deseo y placer en el propio acto creativo, el principal objetivo es intentar fusionar la practica escultórica cotidiana con un conocimiento general histórico especialmente de la escultura histórica, con el fin de obtener un conocimiento más amplio del arte en general.
Cuando observamos la escultura de Sergio se tiene una concepción estrictamente figurativa e icónica con la estética que desea ver al artista como un ser privilegiado, y sobre todo no renuncia a la idea del creador que tiene de mancharse las manos, contemplando el mundo, inspirándole con las formas y los modelos. Hoy se tiende a mirar al artista como un artesano que elabora concienzudamente su obra, ahora bien, aunque la moderna industrialización está acabando lamentablemente con nuestros hábitos artísticos, todavía puede hablarse en gran parte del trabajo de los artistas.
Sergio Comenzó haciendo miniaturas de soldados en cera y muestra su entusiasmo por la fabricación de soldados de plomo. A su juicio, ésta dedicación es lo más cercano al Renacimiento o al Plateresco que se pueda encontrar. Para el artista el mundo de la representación militar le concedió sin embargo darse cuenta de la importancia de la disciplina del detalle. Así, la espada hecha para el Cid reproduce fielmente la hoja que portó el caballero y en su cota de malla se fijaron casi 5.000 diminutas anillas de hierro que el escultor buscó afanosamente por todo Madrid.
Los personajes reflejados por Sergio Blanco son figuras históricas a veces controvertidas y en buena parte objetos de una imagen estandarizada que aquí aparecen con una nueva luz. De Carlos III dice que le atrae su afán de modernidad y ha reflejado un Miguel de Cervantes, soldado joven, que ya ha visto inutilizado su brazo pero aún conserva la prestancia militar. Esta escultura se entrega como uno de los galardones que concede el Ministerio de Defensa.
En cualquier caso, aprovecha la historia como un soporte que le permite justificar su afición a representar el cuerpo de los caballos, de héroes, de carreras, galopando en libertad o sorteando a un toro de lidia se unen al estudio que hace de la figura de pastores, personajes populares e incluso deportistas.

No hay duda que en el siglo XX la escultura ha vuelto a manifestarse como "arte mayor", recuperando la plenitud que había perdido a finales del XVII, y, al mismo tiempo, ha experimentado una auténtica crisis de identidad, recibiendo muchos más cambios y mudanzas más profundas que a lo largo de toda su historia. Aquí se puede comprobar que en esta muy cuidada exposición que nos presenta Sergio Blanco, nos documenta los caminos principales por los que ha transitado en los últimos siglos nuestro recorrido utilizando la práctica de la escultura en España. Siendo compleja e intrincada esta "historia", tenemos aquí delante la pervivencia del concepto tradicional de "estatua" como escultor que, utilizando lenguajes de la modernidad, entienden lo escultórico como imagen que representa figuras de hombres y animales. Dentro de ese concepto tan interesante como establecido entre renovadores y tradicionales del clasicismo escultórico.

Esperamos que esta apasionante muestra de esculturas de Sergio, situadas en las capillas del entorno emblemático de la Iglesia de San Miguel, hoy Castillo de Fraga mantenga una comunicación distendida y entrañable en el recuerdo de tiempos pasados presentes y venideros.

Divina Sabaté Corbella
Comisaria, Asesora artística del Ayuntamiento de Fraga

24/04/2009 - VISITANTES ILUSTRES EN LA FIESTA DE LA FALDETA.

La Fiesta de la Faldeta contó con visitantes ilustres que no se perdieron esta fiesta, declarada de Interés Turístico de Aragón. Entre ellos, destacaba la presencia del embajador español en Arabía Saudí, Manuel Alabart, descendiente de fragatinos (uno de sus antepasados da nombre a una calle en Fraga), y el dúo musical Sergio y Estíbaliz, muy popular en los setenta y ochenta, tras su paso por Mocedades y que hoy forman parte del grupo El Consorcio. No quisieron perderse la fiesta, aprovechando que el Castillo de Fraga acoge una exposición de esculturas de bronce de Sergio Blanco, hasta este próximo domingo.

http://www.fraga.org/index.asp?snh=noticia.asp&stb=noticias&snt=12491&wsub=&wtab=

Telef: 974471718
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TENDENCIAS DE ARTE EN LA ACTUALIDAD

2009-04-21T12:47:00.005+02:00

TERTULIA DE ARTE DIVINA SABATE

TENDENCIAS DE ARTE EN LA ACTUALIDAD

El sábado 15 de Marzo nos reuniremos para participar en la 1ª Tertulia de Arte.

El titulo escogido es “Tendencias de Arte en la Actualidad” estas actividades nacen como voluntad de acercar lo más amplio posible reflexiones en torno a la creación actual y la cultura contemporánea.

La dinámica que queremos instaurar en estas tertulias es el debate y la reflexión colectiva que se combinará con el descubrimiento y acercamiento individual que cada uno de los participantes hará de las tertulias y lecturas que iremos proponiendo.
Queremos que funcionen en paralelo a algunas de las exposiciones tomando como punto de partida algunos de los trabajos que se mostraran en las sucesivas exposiciones.
Son muchas las razones que nos impulsan a proponer las tertulias de Arte, creo que las Tendencias de arte actualmente son fuentes de inspiración por la magia y fascinación que ejerce hoy en día la cultura y el arte, bien se merece que dediquemos nuestras tertulias a ahondar en su conocimiento y comprensión. Tendremos una experiencia en la que espero podamos descubrir juntos el arte actual en nuestro afán por profundizar más en este apasionante mundo.
Esperamos no llegar a conclusiones concretas, sino a opiniones diversas e incluso contrapuestas, dado la amplitud de opiniones que tiene el arte, cuya norma fundamental será quizás la obligación de no ponerse de acuerdo.

TENDENCIAS DE ARTE

El arte actual, está en transformación, tanto en el plano teórico como en el práctico. Como otros aspectos de la sociedad, los criterios por los que se regía hasta ahora han cambiado radicalmente. Entre los factores que han propiciado este cambio están el impacto de las nuevas tecnologías; la aparición de nuevos medios electrónicos de expresión; las nuevas formas de relación personal; la aceptación de la diversidad socio-cultural; y el surgimiento de nuevos problemas de ámbito global. Todo esto se refleja en los temas que tratan los artistas y en los medios que utilizan. Todo vale con tal de impactar o conectar con el público.

LECTURAS Y VISITAS A EXPOSICIONES RECOMENDAS

VIDEO PROYECCIÓN ; EXPOSICIÓN LA VIDA PRIVADA

COLECCIÓN JOSEP Mª CIVIT
REPRESENTACIONES DE LA TRAGEDIA
Y LA BANALIDAD CONTEMPORÁNEAS

JANNIS KOUNELISS, ÁNGELA DE LA CRUZ, IMI KNOEBEL,FRANZ WEST, JOHR ARMLEDER, JOAO ONOFRE, DAN FLAVIN,JOANA VASCONCELOS, MIQUEL MONT, OTTO ZITKO, EMMAKAY, ANN VERÓNICA JANSSENS, HANNA COLLINS, R.G.BIANCHI, YASAMUSA MORIMURA, PEIO IRAZU, VICTORIACIVERA, DAVID AUSTEN, JORDI COLOMER, JOSÉ PEDRO CROFT, MARK LUYTEN, JAUME PLENSA, GARY STEPHAN, JOAO LOURO, FORD BECKMAN, ANTONI LLENA, DAMIEN HIRST,GERWARLD ROCKENSCHAUB, JORGE SANTOS, CARLOS PAZOS, JEFF KOONS, JEAN-BAPTISTE HUYNH, SEAN SCULLY,CANDIDA HÖFER, NOH SONG KYON, CELESTE BOURSIERMOUGENOT, LINDA BESEMER, ALFREDO ROMANO, JOSE A.HERNÁNDEZ-DÍEZ, MITSUO MIURA, W. ENGELBRECHET,MIGUEL ÁNGEL CAMPANO, ROBERT MOTHERWELL, CHEMAALVARGONZÁLEZ, JORGE GALINDO, JOHN NIXON, RAFAEL BARTOLOZZI, JOAN BROSSA, ENRIQUE MARTY, JOSEPH MARIONI, ADRIAN SCHIESS, JOSÉ MARÍA SICILIA, SOL LEWITT,
STEPHANE COUTURIER, OCAMPO, SILVIA BÄCHLI, BERNARDÍ ROIG, TXOMIN BADIOLA, GERARDO BURMEISTER, ANA LAURA ALÁEZ, GABRIEL KURI, SYLVIE FLEURY, DOMÈNEC, ROBERT LLIMÓS, SCOTT RICHTER, GARCÍA SEVILLA, EVA LOOTZ, PETER WÜTRICH, ANA NAVARRETE, ALDO IACOBELLI, EDUARDO ARROYO, VICTOR MIRA, JOSÉ SANLEÓN, MARION THIEME, OLAF MOIJ, DANIEL GÖTTIN, BEGOÑA MONTALBÁN, DIANA WYSE, RUUD VAN EMPEL, SUSY GÓMEZ, PIERRE GONNORD, CARMELA GARCÍA, ALBERT RÀFOLS CASAMADA, LAWRENCE CARROLL, MK. KAEHNE, MIREYA MASÓ, DENMARK, CHEMA MADOZ, AGUSTÍN DE LLANOS, SANTI MOIX, VIÇENS VIAPLANA, XANO ARMENTER, RAY SMITH, BLEDA & ROSA, LILIAN PORTER, MASSIMO VITALI, JAVIER PÉREZ, FRANK THIEL, PER BARCLAY,…

Desde la dirección de los amigos de la Casa Museo Salvador Sabaté y como comisaria de las exposiciones os esperamos para que deis vuestra opinión sobre el arte y la cultura.

(Artista y Comisaria) Divina Sabaté

El sábado 15 de Marzo del 2008, de 19 a 20,30 horas. En la Sala del Cegonyer

Telef: 974471718

Mףvil: 686723691

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A WORLD APART

2009-04-20T19:11:00.010+02:00

Comisariado de Divina Sabaté -

Comisaria de Exposiciones- asesora artistica- artista

viernes 29 de febrero al 16 de marzo -2008-

Palacio Montcada Fraga Spain

Propuesta de Vanguardia, y obras de abstracción geométrica, donde pudimos ver la instalación consistente en una secuencia de pinturas junto a una proyección de imágenes y sonido, en este proceso experimental encontramos movimiento y sensaciones.

Nos sorprende al observar activamente la exposición que el espectador se sumerge dentro de las imágenes, y se convierte en partícipe de un juego visual, interactuando en el espacio que nos rodea utilizando como herramienta la geometría, y el color para el entendimiento del lugar en el que existimos. Quizá al ser la geometría una disciplina en la que tal vez sea la parte de las matemáticas más intuitiva, concreta y ligada a la realidad, apoyándose en un proceso de formalización a niveles de rigor, y abstracción.
Después de un profundo análisis de la trayectoria artística de Silván llegamos a la conclusión que la temática esencial de su obra remite al artista en su universo. En toda su pintura se aprecia una conexión entre la experiencia vital, la expresión plástica. En la exposición descubrimos sus pinturas que nos ofrecen el constructivismo y la abstracción geométrica, nos impone una visión racionalista, geométrica, matemática del arte en rebeldía al arte romántico y figurativo dejando constancia de ello.
Nos llama rápidamente la atención las referencias a Malevich o Mondrian a través de la cultura que nos brindan las geometrías de sus cuadros, imprescindibles en el marco de su cosmovisión personal para llegar a los principios explicativos de su esencia. De ahí que podamos hablar de abstracción geométrica al arte cinético óptico. La tendencia óptica que nos presenta Silván ofrece un repertorio cromático y formal. La transición al óptico ha tenido lugar a través de la primacía del color, es frecuente la reducción a la bipolaridad blanco-negro Vasarely, Wilding. Cuando aparece la complejidad cromática el color se subordina al carácter constructivo, determinado por la línea y la forma. Siguiendo la tradición de Delaunay, repetida varias veces por Vasarely, el color y la forma tienden a identificarse; las estructuras ópticas de repetición como supersignos.

Divina Sabaté ; Comisaria

22520 FRAGA (HUESCA) SPAIN

Telef: 974471718

Mףvil: 686723691

dsabate@telefonica.net

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http://www.divinasabate.com/

2006-11-07T09:30:00.002+01:00

DIVINA SABATÉ INTERNATIONAL PLASTIC ARTIST OF THE 21ST CENTURY

La artista Española Divina Sabaté Actualmente una parte de su obra esta expuesta en la galería de arte de la Universidad de Quanzhou ( China).
XIAMEN" THE TRIRD MEETING INTERNATIONAL ART SHOW Collective show of contemporary art to realize in the art gallery of XIAMEN university/ China - from 11th to 25st November 2006
"FUZHOU" "AROUNG THE WORLD "Collective show of contemporary art to realize in the art gallery of FUZHOU university/ China (capital of Fujian)- from 12th to 31st January 2007
Her work moves in an stumulating tension between liberty, gesture, informalism, planification, geometry and costructivism. Her creator proccess, veguins form an automatic thrust followed by a meditation phase and correct supervision.

A new figure without exempt of judgement characteristics. Her thematic belongs to social events; in her work of art always be an nonconformist and provocative component.
She had realiced a lot of single exhibitions, and she had taken part in an important colectives.

Su trabajo se mueve en una estimulante tensión entre la libertad, la gestualidad ,el informalismo, la planificación, la geometría y el constructivismo , Su proceso creador parte de un impulso automático inicial al que sigue una fase de meditación e intervención correctora.
Una nueva figuración no exenta de rasgos conceptuales. Su temática se centra en acontecimientos sociales; en sus obras siempre hay un componente inconformista y provocador.
Ha realizado numerosas exposiciones individuales y participado en importantes colectivas.

Exposiciones Actuales y Futuras -

Divina en sus continuas exposiciones entre Londres, Nueva York - y China, tiene actualmente su taller en Spain -

Divina Sabaté participated in exhibitions organised by Galería Aurea Madrid and galeriazero in Barcelona, Quanzhou (China), at the Museum Sabate and was exhibitions It trades of INTERNATIONAL ART - ARTERY Spain Portugal Sicily and Paris.

Your work: paintings exhibit strength in the use of form and abstraction as the synthesis of tension, and the reconciliation of opposites as a source of poignancy. In several of the paintings ordinary objects become exemplary icons of contemplation and meditation. Skillfully executed in style, compositional aesthetics, with an innovative perspective.

DIVINA SABATÉ INTERNATIONAL PLASTIC ARTIST OF THE 21ST CENTURY

2006-11-05T13:25:00.006+01:00

Gallery-DIVINA of contemporay art

EXPOSITIONS-PROYECTS
CHINA UK New York

Divina in its continuous expositions among London, New York - and Chinese, has at present its workshop in Spain -

Exhibitions in Spain, Sicilia, France, Italy, USA, Canada, Japan and now UK, and China.
Transforming Conceptual Art with an innovative perspective.

THE WORKS OF DIVINA SABATÉ traveling through BY DIFFERENT GALLERIES The Divina Painter Sabaté form splits in the exhibitions organized by Gallery Madrid and Galeria O in Barcelona, Quanzhou (Chinese), by Predicts Gallery / New York, Montreal Canada, The Saatchi Gallery, London, Network Gate Galery london, XIAMEN Chinese-, FUZHOU Chinese (capital of Fujian)- in the Museum Sabaté and in the exhibitions of INTERNATIONAL ART - ARTERY Spain Portugal Sicily Paris London.

myartspace - New York

Permanent exposition of the works of Divina Sabaté in the House-Museum Salvador Sabaté

More works in the study of the Divina Artist Sabaté to request information.

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22520 FRAGA (HUESCA) SPAIN
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